El rock'n'roll lo inventaron músicos negros. Pero en Estados Unidos, en los años 50 del siglo XX la historia la escribían los blancos. Así que crearon a Elvis Presley y con él vendieron millones de discos en todo el mundo, coronándole Rey del Rock. El racismo seguía presente en aquel país y se hacía notar en todos los ámbitos de la sociedad. Elvis se convirtió en el primer músico del fenónemo fan y en el primer músico pensado como un producto comercial más.
Mientras el jazz y el rock luchaban por ver quién era el que más discos vendía, iban surgiendo otros estilos derivados de estos dos, como el caso del soul (alma en inglés). En este estilo vamos a ver también muchos subgéneros aunque se caracteriza por ser música vocal con una sección de instrumentos de viento importante. El Rey del Soul, será James Brown.
Y si ya tenemos al Rey del Rock y al Rey del Soul, nos falta el Rey del Pop. Vemos a un jovencísimo Michael Jackson en sus comienzos con los Jackson Five.
Por esos años 60 y 70 comenzaban a dar sus primeros pasos el grupo de pop por excelencia. Un productor musical les dijo que no valían nada, que no tenían futuro. Un año después The Beatles triunfaban en todo el mundo. Aquel productor jamás se recuperó por recharzarles. El fenómeno fan, se multiplicó por mil.
La guerra musical se declaró con la aparición de los Rolling Stones dividiendo a la opinión pública y a la crítica musical. En la actualidad este grupo es el más longevo de todos, es decir, que siguen en activo a pesar de haber cumplido los 60 años.
Otro de los hitos musicales de los años 70 fue el festival de Woodstock, primer festival de la música pop-rock-hippie. Durante 3 días estuvieron tocando en varios escenarios cientos de grupos entre ellos, Jimmy Hendrix, considerado el mejor guitarrista de todos los tiempos. Supo fusionar a la perfección el jazz con el rock.
Y seguimos pasando las décadas. Es muy complicado resumir la música pop-rock ya existen demasiados grupos y estilos diferentes. Como es una música más cercana a vosotros, seguro que la conocéis mejor y desde luego es mucho más accesible.
En los años 80 podríamos destacar un grupo inglés, Queen, y un músico americano (a veces con su banda y a veces en solitario) que también lleva más de 30 años tocando, Bruce Springsteen.
Es la época de los videoclips, de la promoción televisiva y de la MTv.
Y ahora veremos a The Boss (el jefe), Bruce Springsteen.
Ya en los 90 surgirán tantos estilos que sería muy difícil ponerlos todos aquí. Quizá el que más destaque, por su novedad, es el hip-hop que después derivará en el rap. Podemos ver un videoclip homenaje al jazz funky. ¿Os suena la melodía principal?
Con este vídeo terminamos la Historia de la Música, que se sigue escribiendo día a día. Hemos ido viendo cómo ha evolucionado y cómo han ido cambiando los gustos musicales.
Estoy seguro de que vuestro gusto musical irá cambiando con el tiempo. Además, ciertos estilos que hoy están de moda, dentro de unos años, ya nadie se acordará de ellos.
La música, por desgracia, se ha convertido en un producto de consumo más con una fecha de caducidad a veces más corta que la de un yogur. El tiempo irá diciendo si esa música tiene la calidad suficiente como para perdurar. En los años 60, por ejemplo, existían muchos grupos parecidos a los Beatles, sin embargo, ellos (por su calidad) han pasado a la historia, mientras que otros muchos pasan al olvido o sólo recordados por algunos.
Aunque tenemos la suerte de que desde hace varias décadas existen instrumentos para registrar cualquier hecho musical (los discos de vinilio, Cd's, mp3, mp4) que nos permiten almacenar gran cantidad de datos y hacer que la música pueda perdurar en el tiempo.
A pesar de ello, me gustaría que comenzárais a ser críticos con la música que escucháis. Pensad en si realmente os gusta por su calidad o porque aparece en los medios de comunicación, o porque está de moda. Tenemos que ser exigentes con la calidad de ese producto que nos venden. De esta manera el arte que es la música no será sólo un objeto que compramos, sino que cumplirá con su función principal que es la de crear belleza.
Espero que hayáis disfrutado y aprendido con este blog que es lo que se pretendía. Ahora es vuestro turno para investigar, valorar, apreciar y escuchar todo tipo de música que siempre es enriquecedora y no sólo un mero entretenimiento.
Ni un sólo día sin música de calidad.
miércoles, 8 de junio de 2011
domingo, 15 de mayo de 2011
School Blues
El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.
La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:
En primer lugar, tanto por su asimilación de otras tendencias musicales ajenas a él, como por su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos musicales, como el rock and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente al jazz.
En segundo lugar, por la sucesión de un numeroso conjunto de subestilos que manifiestan enormes diferencias musicales.
Escucharemos algunos de los estilos más característicos. El primero de ellos, el Dixieland. Es el jazz más primitivo, originario de Nueva Orleáns y es el más sencillo de escuchar. Es una música divertida, para bailar.
El más que conocido When the saints go marchin' in, interpretado por Louis Armstrong.
De 1930 a 1940 fue la era del swing. También una música para bailar y divertirse en aquellos tiempos difíciles. Era la época de las grandes orquestas, de los salones de baile, aunque también de la segregación en Estados Unidos. Los músicos negros no podían tocar en orquestas de blancos. Y tampoco el público se podía mezclar.
Sin embargo, el jazz fue una música que ayudó a eliminar poco a poco el racismo, puesto que en las jam sessions (reuniones de músicos para tocar en su tiempo libre, tocando hasta altas horas de la madrugada) se juntaban tanto músicos blancos y negros sin distinguir la raza, simplemente para disfrutar de la música. Aquí podemos ver un fragmento de la película Kansas City (1996) de Robert Altman donde se recrea el ambiente de esas largas noches donde los músicos improvisaban y creaban libremente, sin un público atento. Se les nota cansados porque llevan varios días tocando sin parar...
En los años 1940 a 1950 irrumpen en la escena musical dos pesos pesados del jazz: Charlie Parker y Dizzy Gillespie que pondrán las bases del jazz moderno. Sus ritmos rápidos, sus melodías enrevesadas harán las locuras del público.
Miles Davis irá introduciendo los diferentes estilos del jazz durante los siguientes 40 años. Su creatividad era imparable y desarrolló todos los nuevos estilos y fusiones de este tipo de música. Las improvisaciones empiezan a ser más largas y el espacio que tiene el músico para improvisar melodías también. Vemos y escuchamos aquí un ejemplo: So What.
Otro icono del jazz fue John Coltrane que llevó el jazz a una categoría más espiritual de la música puesto que transmitía una gran armonía y paz interior.
En los años 1970 y 1980 lo que impera en el jazz es el funky, estilo creado por Miles Davis y desarrollado por sus muchos alumnos que se convertirán en grandes músicos, como el caso de Hebie Hanckock y su Cantaloupe Island. En ésta época se experimentarán con instrumentos eléctricos, muy de moda en ese momento.
En la actualidad hay numerosos festivales en todo el mundo y durante todo el año. Ha pasado a ser una música clásica o una música más culta (recordad que su origen es popular) pero que sigue encandilando a un gran público.
El trompetista Wynton Marsalis viaja por todo el mundo como embajador musical, mezclando todo tipo de estilos musicales, interpretando su música en bandas sonoras de películas, enseñando en escuelas de todo el mundo... En este vídeo, por ejemplo, nos cuenta cómo se miden los cuatro tiempos en la música clásica y cómo lo hacen en el jazz, dándole ese ritmo tan característico.
El jazz ha sido la fuente de donde han bebido otros muchos estilos como el funky, el rock'nroll, el rhythm&blues, el soul, el hip-hop, el rap, jazz-rock, jazz sinfónico, jazz-flamenco, jazz-fussion, latin jazz...
No dejéis de escuchar todos los días algo de música, la que os guste, pero también intentad escuchar otros estilos musicales para enriquecer vuestras vidas. Y nunca digáis que no os gusta un estilo musical sin antes haberle dado la oportunidad de escucharlo.
Aquí tenéis un rap donde se cuenta la historia del jazz.
La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:
En primer lugar, tanto por su asimilación de otras tendencias musicales ajenas a él, como por su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos musicales, como el rock and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente al jazz.
En segundo lugar, por la sucesión de un numeroso conjunto de subestilos que manifiestan enormes diferencias musicales.
Escucharemos algunos de los estilos más característicos. El primero de ellos, el Dixieland. Es el jazz más primitivo, originario de Nueva Orleáns y es el más sencillo de escuchar. Es una música divertida, para bailar.
El más que conocido When the saints go marchin' in, interpretado por Louis Armstrong.
De 1930 a 1940 fue la era del swing. También una música para bailar y divertirse en aquellos tiempos difíciles. Era la época de las grandes orquestas, de los salones de baile, aunque también de la segregación en Estados Unidos. Los músicos negros no podían tocar en orquestas de blancos. Y tampoco el público se podía mezclar.
Sin embargo, el jazz fue una música que ayudó a eliminar poco a poco el racismo, puesto que en las jam sessions (reuniones de músicos para tocar en su tiempo libre, tocando hasta altas horas de la madrugada) se juntaban tanto músicos blancos y negros sin distinguir la raza, simplemente para disfrutar de la música. Aquí podemos ver un fragmento de la película Kansas City (1996) de Robert Altman donde se recrea el ambiente de esas largas noches donde los músicos improvisaban y creaban libremente, sin un público atento. Se les nota cansados porque llevan varios días tocando sin parar...
En los años 1940 a 1950 irrumpen en la escena musical dos pesos pesados del jazz: Charlie Parker y Dizzy Gillespie que pondrán las bases del jazz moderno. Sus ritmos rápidos, sus melodías enrevesadas harán las locuras del público.
Miles Davis irá introduciendo los diferentes estilos del jazz durante los siguientes 40 años. Su creatividad era imparable y desarrolló todos los nuevos estilos y fusiones de este tipo de música. Las improvisaciones empiezan a ser más largas y el espacio que tiene el músico para improvisar melodías también. Vemos y escuchamos aquí un ejemplo: So What.
Otro icono del jazz fue John Coltrane que llevó el jazz a una categoría más espiritual de la música puesto que transmitía una gran armonía y paz interior.
En los años 1970 y 1980 lo que impera en el jazz es el funky, estilo creado por Miles Davis y desarrollado por sus muchos alumnos que se convertirán en grandes músicos, como el caso de Hebie Hanckock y su Cantaloupe Island. En ésta época se experimentarán con instrumentos eléctricos, muy de moda en ese momento.
En la actualidad hay numerosos festivales en todo el mundo y durante todo el año. Ha pasado a ser una música clásica o una música más culta (recordad que su origen es popular) pero que sigue encandilando a un gran público.
El trompetista Wynton Marsalis viaja por todo el mundo como embajador musical, mezclando todo tipo de estilos musicales, interpretando su música en bandas sonoras de películas, enseñando en escuelas de todo el mundo... En este vídeo, por ejemplo, nos cuenta cómo se miden los cuatro tiempos en la música clásica y cómo lo hacen en el jazz, dándole ese ritmo tan característico.
El jazz ha sido la fuente de donde han bebido otros muchos estilos como el funky, el rock'nroll, el rhythm&blues, el soul, el hip-hop, el rap, jazz-rock, jazz sinfónico, jazz-flamenco, jazz-fussion, latin jazz...
No dejéis de escuchar todos los días algo de música, la que os guste, pero también intentad escuchar otros estilos musicales para enriquecer vuestras vidas. Y nunca digáis que no os gusta un estilo musical sin antes haberle dado la oportunidad de escucharlo.
Aquí tenéis un rap donde se cuenta la historia del jazz.
domingo, 1 de mayo de 2011
El Siglo de las Músicas
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX la música culta va a sufrir una gran diversificación y una sucesión de estilos que no perduran demasiado en el tiempo. Un mismo compositor que en otras épocas componía siempre en el mismo estilo va a pasar a evolucionar muy rápidamente y se van a convertir en un músico de difícil clasificación. La música se vuelve más experimental y aunque sí que existen algunas clasificaciones como el Impresionismo o el Dodecafonismo, cada compositor desarrollará sus propios estilos a lo largo de su vida.
Los músicos impresionistas pretendían dar un gama de colores a sus melodías como lo hacían los pintores impresionistas como Monet, Renoir, Seurat o Corot.
Escucharemos ahora el Primer Arabesque de Debussy, admirando un cuadro de las serie Los Nenúfares de Claude Monet, pintor de esta época.
Otro de los compositores que pasaron por varias etapas a lo largo de su vida fue Maurice Ravel vinculado en principio al Impresionismo, pero también al Expresionismo (un movimiento casi contrario al primero) y a un estilo Neoclásico. Pero su rasgo más caracterísico fue su gran capacidad de orquestación. Uno de estos ejemplos lo vemos en Cuadros de una Exposición de Mussorgsky, obra para piano, que Ravel orquestó maravillosamente. Otro ejemplo de su capacidad fue su famoso Bolero donde sobre un ostinato de una caja redoblante va introduciendo los instrumentos de la orquesta repitiendo continuamente tan sólo dos temas y en un crescendo apoteósico. Aquí lo podremos apreciar con una coreografía de Maurice Béjart. La pieza dura unos quince minutos, pero la he recortado un poco.
En 1952 John Cage irrumpe en los escenarios musicales con una obra muy peculiar. Se titula 4'33'' que es lo que dura la obra. Se trataba de enseñar qué sonidos y ruidos se producen en un concierto de música donde los músicos se pasan toda la obra sin tocar. Podéis ver el vídeo y juzgar vosotros mismos.
Un género musical que se desarrolla en este siglo XX es la banda sonora de película. La primera película sonora (El Cantor de Jazz, 1927) fue musical y desde entonces cine y música han ido de la mano. La música sirve para reforzar las imágenes, darles más dramatismo y a veces se han convertido en iconos de varias generaciones. Escuchando la música podemos recordar perfectamente la película sin necesidad de verla. Aquí tenéis un ejemplo de uno de los mejores compositores de bandas sonoras. Mr. John Williams y su archiconocido tema de Darth Vader...
Viajando en el tiempo, llegamos a la década de 1990. Karl Heinz Stockhausen causa sensación por presentar su Cuarteto de Cuerdas y Helicópteros. Sí, habéis leído bien, helicópteros. Cada músico se sube en uno de estos aparatos y mientras van volando van tocando. Su música es mezclada con el sonido de los helicópteros y retransmitida a la sala de conciertos donde los espectadores pueden ver el vídeo que hay a continuación.
La música en el siglo XX se ha caracterizado por la investigación y experimentación con nuevos sonidos y nuevas formas de crear arte.
Como hemos podido comprobar, la música en el siglo XX ha cambiado mucho en poco tiempo, igual que evoluciona la tecnología y nuestra sociedad. Hoy en día se compone sobre todo con ordenadores. La música techno surge de la investigación de sonidos aunque después se ha inclinado por una vía comercial, muy repetitiva, donde prevalece la mezcla de ritmos, creando un bucle.
De todas formas la música culta actual está muy restringida a un grupo de personas, ya que se ha llegado a tal punto de experimentación y de investigación del sonido que se ha perdido el aspecto social/entretenimiento de la música.
Los músicos impresionistas pretendían dar un gama de colores a sus melodías como lo hacían los pintores impresionistas como Monet, Renoir, Seurat o Corot.
Escucharemos ahora el Primer Arabesque de Debussy, admirando un cuadro de las serie Los Nenúfares de Claude Monet, pintor de esta época.
Otro de los compositores que pasaron por varias etapas a lo largo de su vida fue Maurice Ravel vinculado en principio al Impresionismo, pero también al Expresionismo (un movimiento casi contrario al primero) y a un estilo Neoclásico. Pero su rasgo más caracterísico fue su gran capacidad de orquestación. Uno de estos ejemplos lo vemos en Cuadros de una Exposición de Mussorgsky, obra para piano, que Ravel orquestó maravillosamente. Otro ejemplo de su capacidad fue su famoso Bolero donde sobre un ostinato de una caja redoblante va introduciendo los instrumentos de la orquesta repitiendo continuamente tan sólo dos temas y en un crescendo apoteósico. Aquí lo podremos apreciar con una coreografía de Maurice Béjart. La pieza dura unos quince minutos, pero la he recortado un poco.
En 1952 John Cage irrumpe en los escenarios musicales con una obra muy peculiar. Se titula 4'33'' que es lo que dura la obra. Se trataba de enseñar qué sonidos y ruidos se producen en un concierto de música donde los músicos se pasan toda la obra sin tocar. Podéis ver el vídeo y juzgar vosotros mismos.
Un género musical que se desarrolla en este siglo XX es la banda sonora de película. La primera película sonora (El Cantor de Jazz, 1927) fue musical y desde entonces cine y música han ido de la mano. La música sirve para reforzar las imágenes, darles más dramatismo y a veces se han convertido en iconos de varias generaciones. Escuchando la música podemos recordar perfectamente la película sin necesidad de verla. Aquí tenéis un ejemplo de uno de los mejores compositores de bandas sonoras. Mr. John Williams y su archiconocido tema de Darth Vader...
Viajando en el tiempo, llegamos a la década de 1990. Karl Heinz Stockhausen causa sensación por presentar su Cuarteto de Cuerdas y Helicópteros. Sí, habéis leído bien, helicópteros. Cada músico se sube en uno de estos aparatos y mientras van volando van tocando. Su música es mezclada con el sonido de los helicópteros y retransmitida a la sala de conciertos donde los espectadores pueden ver el vídeo que hay a continuación.
La música en el siglo XX se ha caracterizado por la investigación y experimentación con nuevos sonidos y nuevas formas de crear arte.
Como hemos podido comprobar, la música en el siglo XX ha cambiado mucho en poco tiempo, igual que evoluciona la tecnología y nuestra sociedad. Hoy en día se compone sobre todo con ordenadores. La música techno surge de la investigación de sonidos aunque después se ha inclinado por una vía comercial, muy repetitiva, donde prevalece la mezcla de ritmos, creando un bucle.
De todas formas la música culta actual está muy restringida a un grupo de personas, ya que se ha llegado a tal punto de experimentación y de investigación del sonido que se ha perdido el aspecto social/entretenimiento de la música.
miércoles, 27 de abril de 2011
Día Internacional sobre Concienciación del Ruido
Todos los días estamos rodeados por numerosos ruidos y no nos damos cuenta. Los tenemos tan automatizados que pasan inadvertidos. Sin embargo, están presentes y nos afectan psicológica y físicamente. Nos ponemos nerviosos, nos duele la cabeza, nos duele la garganta (porque hablamos más fuerte de lo habitual). Esta contaminación que no se ve es la contaminación acústica. Aquí tenemos un vídeo donde nos explican algunas cosas interesantes.
Cómic audiovisual “Silín y Ruidón” (Versión subtitulada) from Sociedad Española de Acústica on Vimeo.
Pensad ahora en las cosas que podéis hacer para evitar toda esa cantidad de ruido que producimos. Igual que reciclamos la basura, separamos lo orgánico de lo plástico o el papel; al igual que ahorramos energía con las luces y electrodomésticos; también podemos realizar acciones para evitar la contaminación acústica y poder disfrutar de los sonidos sin interferencias del ruido.
Si queréis profundizar un poco más en el tema también podéis ver este vídeo.
Por una sociedad más sonora: no hagas tanto ruido.
Cómic audiovisual “Silín y Ruidón” (Versión subtitulada) from Sociedad Española de Acústica on Vimeo.
Pensad ahora en las cosas que podéis hacer para evitar toda esa cantidad de ruido que producimos. Igual que reciclamos la basura, separamos lo orgánico de lo plástico o el papel; al igual que ahorramos energía con las luces y electrodomésticos; también podemos realizar acciones para evitar la contaminación acústica y poder disfrutar de los sonidos sin interferencias del ruido.
Si queréis profundizar un poco más en el tema también podéis ver este vídeo.
Programa audiovisual “En busca del confort acústico perdido” (Versión subtitulada) from Sociedad Española de Acústica on Vimeo.
Por una sociedad más sonora: no hagas tanto ruido.
martes, 15 de marzo de 2011
La Música en el Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento cultural donde prevalece el sentimiento individualista de una sociedad que se transformaba con mucha velocidad debido a los cambios tecnológicos y políticos. Es una época que comienza con la Revolución Francesa y se extiende por toda Europa con Napoleón. Sus principales compositores son Beethoven (que está a caballo entre el Clasicismo y el Romanticismo) Schubert, Chopin, Tchaikovsky Verdi y Wagner (este último llevará a su extremo este movimiento)
Podemos ver un fragmento de la película de Disney, Fantasía (1940) con música de Beethoven, la 6ª Sinfonía, también llamada La Pastoral.
Beethoven será uno de los primeros compositores que hace la transición del Clasicismo hacia el Romanticismo. También fue un genio precoz como Mozart y debió de tener una infancia muy difícil. Se habla de malos tratos por parte de su padre y de uno de sus hermanos (posiblemente por un golpe en la cabeza tuvo lesiones en el oído que le llevarían a quedarse sordo) Escucharemos como ejemplo el primer movimiento de la 5ª Sinfonía (escribió 9) Se cuenta que al componer este primer movimiento, Beethoven luchaba contra sí mismo y su sordera, alternando momentos trágicos con momentos más relajados. El Romanticismo tiene esta característica en su música. Los estados de ánimo extremos son los favoritos para los compositores.
Schubert es uno de los compositores románticos más reconocidos en todo el mundo. Su obra también es muy extensa. Podemos escuchar ahora su Trío nº 2 op. 100.
El piano se convierte en el instrumento solista por excelencia puesto que es uno de los instrumentos que reflejan mejor esa individualidad. Chopin será quien componga más obras para piano en esta época. Aquí podemos escuchar uno de sus nocturnos y ver la pintura de otro genial artista de la épopa, Turner.
Tchaikovsky fue un compositor ruso que renovó la música de su país y la puso de moda en toda Europa a la vez que despertó un sentimiento nacionalista en su país. Compuso numerosos conciertos, óperas y suites, pero sus obras más conocidas son los ballets. Podemos escuchar a continuación algunos fragmentos de su ballet El Cascanueces.
La ópera será un arma política durante el Romanticismo, que resaltará la individualidad y el sentimiento de independencia. Sus máximos exponentes serán Verdi en Italia y Wagner en Alemania. Ambos países se forman y se denominan de esta manera en esta época y la música será un nexo de unión patriótico. Incluso la rivalidad la tenían los propios compositores y se discutía en cafés, en despachos, en el trabajo, en la calle, quién era mejor compositor. Ambos fueron magníficos en sus estilos, muy personales e individuales.
De Verdi escucharemos un fragmento de La Traviata, su ópera más personal.
De Wagner escucharemos su Cabalgata de las Walkirias de su ópera La Walkiria, muy utilizada en películas y anuncios. Seguro que os suena.
Podemos ver un fragmento de la película de Disney, Fantasía (1940) con música de Beethoven, la 6ª Sinfonía, también llamada La Pastoral.
Beethoven será uno de los primeros compositores que hace la transición del Clasicismo hacia el Romanticismo. También fue un genio precoz como Mozart y debió de tener una infancia muy difícil. Se habla de malos tratos por parte de su padre y de uno de sus hermanos (posiblemente por un golpe en la cabeza tuvo lesiones en el oído que le llevarían a quedarse sordo) Escucharemos como ejemplo el primer movimiento de la 5ª Sinfonía (escribió 9) Se cuenta que al componer este primer movimiento, Beethoven luchaba contra sí mismo y su sordera, alternando momentos trágicos con momentos más relajados. El Romanticismo tiene esta característica en su música. Los estados de ánimo extremos son los favoritos para los compositores.
Schubert es uno de los compositores románticos más reconocidos en todo el mundo. Su obra también es muy extensa. Podemos escuchar ahora su Trío nº 2 op. 100.
El piano se convierte en el instrumento solista por excelencia puesto que es uno de los instrumentos que reflejan mejor esa individualidad. Chopin será quien componga más obras para piano en esta época. Aquí podemos escuchar uno de sus nocturnos y ver la pintura de otro genial artista de la épopa, Turner.
Tchaikovsky fue un compositor ruso que renovó la música de su país y la puso de moda en toda Europa a la vez que despertó un sentimiento nacionalista en su país. Compuso numerosos conciertos, óperas y suites, pero sus obras más conocidas son los ballets. Podemos escuchar a continuación algunos fragmentos de su ballet El Cascanueces.
La ópera será un arma política durante el Romanticismo, que resaltará la individualidad y el sentimiento de independencia. Sus máximos exponentes serán Verdi en Italia y Wagner en Alemania. Ambos países se forman y se denominan de esta manera en esta época y la música será un nexo de unión patriótico. Incluso la rivalidad la tenían los propios compositores y se discutía en cafés, en despachos, en el trabajo, en la calle, quién era mejor compositor. Ambos fueron magníficos en sus estilos, muy personales e individuales.
De Verdi escucharemos un fragmento de La Traviata, su ópera más personal.
De Wagner escucharemos su Cabalgata de las Walkirias de su ópera La Walkiria, muy utilizada en películas y anuncios. Seguro que os suena.
martes, 15 de febrero de 2011
La Música en el Clasicismo
Si buscáramos un sinónimo para Clasicismo ese sería Mozart. Es el compositor clásico por excelencia tanto por la cantidad de obras compuestas como por su calidad, llevando este estilo a su cumbre. Fue un niño prodigio que a los tres años ya componía sinfonías y obras de cámara. Tuvo una vida tumultuosa, alimentada posteriormente por su propia leyenda, aunque muchos de los datos que se conocen de él proceden de fuentes dudosas. Dejando de lado su vida, nos quedamos con su magnífica obra con múltiples ejemplos de su talento.
En aquella época era típico escribir óperas sólo en italiano, pero Mozart quería llevar la ópera al pueblo, no sólo a la nobleza, así que escribió La Flauta Mágica y lo hizo en alemán, su lengua materna. Además cambió el espíritu de este tipo de obra puesto que mezcló la ópera italiana que estaba tan de moda, con el Singspiel, una pieza típicamente alemana de teatro cómico cantado. Podemos escuchar ahora uno de los duos más famosos: el de Pappageno y Pappagena.
En la película Amadeus (1984) de Milos Forman podemos comprobar la genialidad de un joven Mozart que desplazó a Salieri, compositor de la corte de José II de Habsburgo. Se ha escrito mucho sobre la rivalidad entre Salieri y Mozart, incluso llegando a acusar al primero de la muerte del segundo. Se tienen pocos datos fiables y es una anécdota más de su leyenda, pero como vemos en este fragmento, Mozart tenía una memoria musical prodigiosa y era capaz de memorizar casi cualquier pieza con sólo escucharla un poco. Posiblemente tenía oído absoluto, es decir, que puede determinar qué sonido es de forma aislada y no en relación con otros sonidos como en el caso del oído relativo que tenemos la mayoría de las personas. Recordad, de todas formas, que esto es una película y es una recreación de lo que pudo pasar.
Sería muy complicado y extenso abarcar toda la obra de Mozart, por ello, he elegido estos vídeos que pueden ser representativos de su obra. Esta pieza es una de las más conocidas y se ha utilizado en numerosos anuncios, películas y vídeos. La Pequeña Serenata Nocturna es una obra de cámara que demuestra la perfección armónica del clasicismo donde predomina la estructura y el equilibrio frente al sentimiento.
En este caso se ha utilizado para acompañar un viaje por el espacio en una serie de vídeos que pretenden promocionar la Ciencia entre los jóvenes. Escucharemos el 4º Movimiento de esta Serenata que tiene forma de rondó.
Otra de las obras cumbre de Mozart es su Requiem o misa de difuntos. Fue su última obra y quedo inconclusa. También se ha escrito mucho sobre quién le encargó la obra, un caballero misterioso, quizá su propio padre ya fallecido, quizá Salieri por venganza. Mozart, ya enfermo y sin dinero, agotó sus energías componiendo esta obra, llegando a pensar que la componía para su propio funeral.
Quizá la escena cumbre de la película Amadeus sea la que podemos ver a continuación. En ningún momento Salieri contribuyó a componer el Requiem, pero la escena está cargada del dramatismo que transfiere la música y es un ejemplo estético del sacrificio que debió de hacer Mozart para componer su última obra. Agotado, enfermo, sin dinero ni para comer, supone la lucha agónica entre el genio y el ser humano.
Otro de los grandes genios del Clasicismo es Rossini. Compositor, cocinero (sus canelones son mundialmente conocidos) y un poco vividor, compuso para divertirse y cuando dejó de hacerlo se dedicó a la cocina. Sus óperas bufas (cómicas) son realmente divertidas, llenas de historias de enredo, pero cuando quería ponerse serio y componer música religiosa, por ejemplo, era capaz de escribir bellas melodías. Pondremos como ejemplos dos vídeos. El primero de su ópera más conocida El Barbero de Sevilla , y una de sus arias más famosas Largo al Factotum
Rossini comenzó componiendo en su propio estilo del Clasicismo, fuera de convencionalismos de la época. Poco a poco fue transformando sus obras en más románticas, hasta que compuso su última ópera -Guillermo Tell-. Tuvo tanto miedo a que el público rechazara su obra porque se desviaba de todo lo anterior (es una ópera plenamente del Romanticismo) que decidió retirarse y dedicarse a su otro gran placer: la cocina. Durante muchos años estuvo sin componer absolutamente nada. Sin embargo, en su vejez, volvió a componer de una forma divertida, para sus amigos y conocidos, en veladas donde se tocaba el piano y se cantaban sus melodías alegres y jocosas. Un ejemplo de sus pecados de vejez, como el los llamó es este divertídisimo duo de gatos, donde parodia la forma de cantar de algunas sopranos de aquella época, que parecían dos gatas maullando. En este caso, me ha parecido más divertida esta versión que cantan dos niños.
En aquella época era típico escribir óperas sólo en italiano, pero Mozart quería llevar la ópera al pueblo, no sólo a la nobleza, así que escribió La Flauta Mágica y lo hizo en alemán, su lengua materna. Además cambió el espíritu de este tipo de obra puesto que mezcló la ópera italiana que estaba tan de moda, con el Singspiel, una pieza típicamente alemana de teatro cómico cantado. Podemos escuchar ahora uno de los duos más famosos: el de Pappageno y Pappagena.
En la película Amadeus (1984) de Milos Forman podemos comprobar la genialidad de un joven Mozart que desplazó a Salieri, compositor de la corte de José II de Habsburgo. Se ha escrito mucho sobre la rivalidad entre Salieri y Mozart, incluso llegando a acusar al primero de la muerte del segundo. Se tienen pocos datos fiables y es una anécdota más de su leyenda, pero como vemos en este fragmento, Mozart tenía una memoria musical prodigiosa y era capaz de memorizar casi cualquier pieza con sólo escucharla un poco. Posiblemente tenía oído absoluto, es decir, que puede determinar qué sonido es de forma aislada y no en relación con otros sonidos como en el caso del oído relativo que tenemos la mayoría de las personas. Recordad, de todas formas, que esto es una película y es una recreación de lo que pudo pasar.
Sería muy complicado y extenso abarcar toda la obra de Mozart, por ello, he elegido estos vídeos que pueden ser representativos de su obra. Esta pieza es una de las más conocidas y se ha utilizado en numerosos anuncios, películas y vídeos. La Pequeña Serenata Nocturna es una obra de cámara que demuestra la perfección armónica del clasicismo donde predomina la estructura y el equilibrio frente al sentimiento.
En este caso se ha utilizado para acompañar un viaje por el espacio en una serie de vídeos que pretenden promocionar la Ciencia entre los jóvenes. Escucharemos el 4º Movimiento de esta Serenata que tiene forma de rondó.
Otra de las obras cumbre de Mozart es su Requiem o misa de difuntos. Fue su última obra y quedo inconclusa. También se ha escrito mucho sobre quién le encargó la obra, un caballero misterioso, quizá su propio padre ya fallecido, quizá Salieri por venganza. Mozart, ya enfermo y sin dinero, agotó sus energías componiendo esta obra, llegando a pensar que la componía para su propio funeral.
Quizá la escena cumbre de la película Amadeus sea la que podemos ver a continuación. En ningún momento Salieri contribuyó a componer el Requiem, pero la escena está cargada del dramatismo que transfiere la música y es un ejemplo estético del sacrificio que debió de hacer Mozart para componer su última obra. Agotado, enfermo, sin dinero ni para comer, supone la lucha agónica entre el genio y el ser humano.
Otro de los grandes genios del Clasicismo es Rossini. Compositor, cocinero (sus canelones son mundialmente conocidos) y un poco vividor, compuso para divertirse y cuando dejó de hacerlo se dedicó a la cocina. Sus óperas bufas (cómicas) son realmente divertidas, llenas de historias de enredo, pero cuando quería ponerse serio y componer música religiosa, por ejemplo, era capaz de escribir bellas melodías. Pondremos como ejemplos dos vídeos. El primero de su ópera más conocida El Barbero de Sevilla , y una de sus arias más famosas Largo al Factotum
Rossini comenzó componiendo en su propio estilo del Clasicismo, fuera de convencionalismos de la época. Poco a poco fue transformando sus obras en más románticas, hasta que compuso su última ópera -Guillermo Tell-. Tuvo tanto miedo a que el público rechazara su obra porque se desviaba de todo lo anterior (es una ópera plenamente del Romanticismo) que decidió retirarse y dedicarse a su otro gran placer: la cocina. Durante muchos años estuvo sin componer absolutamente nada. Sin embargo, en su vejez, volvió a componer de una forma divertida, para sus amigos y conocidos, en veladas donde se tocaba el piano y se cantaban sus melodías alegres y jocosas. Un ejemplo de sus pecados de vejez, como el los llamó es este divertídisimo duo de gatos, donde parodia la forma de cantar de algunas sopranos de aquella época, que parecían dos gatas maullando. En este caso, me ha parecido más divertida esta versión que cantan dos niños.
martes, 11 de enero de 2011
La Música Barroca
En este período musical se complican hasta tal punto las melodías que los músicos se vuelven virtuosos. En algunos casos, como el de este primer vídeo, se cogía una melodía sencilla y se realizaban improvisaciones cada vez más complicadas, antes de transcribir a la partitura lo que se había tocado. Además podemos ver cómo es una viola de gamba. Se podría pensar que es el padre del violonchelo actual, pero son instrumentos distintos.
A continuación, veremos la obertura de Orfeo de Monteverdi. La ópera se crea en esta época como solución a la prohibición de representar obras de teatro con música dentro de las iglesias, porque los espectadores hacían más caso a la representación que al texto religioso. Los temas serán en principio mitológicos, pero poco a poco se irán creando textos originales.
Lully es uno de los compositores barrocos más importantes, que renueva y relanza la música francesa hacia toda Europa, llenándola de adornos y ceremonias. En esta danza se trata un tema exótico que era la cultura turca, muy de moda en aquella época. Como anécdota podemos contar de Lully que murió tras golpearse con su bastón de director de orquesta e infectársele la herida. Desde entonces, se dejaron de utilizar esos bastones largos para dirigir y se sustituyeron por las batutas que hoy día conocemos.
Los castrati eran niños a los que se les estirpaban los testículos antes de cambiar su voz y la mantuvieran "blanca". Las mujeres tenían prohibido interpretar en público por lo que se utilizaba a estos niños (normalmente huérfanos) en los papeles femeninos. Muchos de estos niños morían entre terribles dolores por las infecciones producidas por unos instrumentos quirúrgicos muy primitivos. Los que sobrevivían se convertían en grandes estrellas de la música y recorrían toda Europa. Unos los más conocidos fue Farinelli que vivió gran parte de su vida rodeado de lujos en la corte Española de Felipe V y de su hijo Fernando VI.
Otro de los compositores más famosos del Barroco fue Haendel. Sus obras eran tocadas en todos los salones y teatros europeos. Nació en Alemania, pero se marchó a Inglaterra donde triunfó. Escribió óperas, oratorios, conciertos, música de cámara y suites. Aquí podemos ver una representación de una danza con la música de la Música Acuática, una de sus piezas más conocidas y celebradas.
Bach fue un músico que no tuvo mucho éxito en vida, pero que aportó numerosas novedades a la música y fue a finales del siglo XIX cuando se le redescubrió y cuando se le reconoció su trabajo y hoy día es el compositor más conocido e interpretado junto a Mozart. Tiene una de las obras más extensas de la música, componiendo todo tipo de obras y formas musicales, excepto la ópera. Podemos escuchar y ver una coreografía moderna con la Suite número 1 para cello solo.
Pero también en la música barroca había espacio para la música más popular, como es el caso de Mr. Playford, un compositor inglés que se dedicó a recopilar danzas populares inglesas e irlandesas y a escribirlas. Aquí podemos disfrutar del grupo francés Les Witches, un grupo que ha recuperado esta música que tiene su tradición en la música celta y también en la normanda (del norte de Francia)
A continuación, veremos la obertura de Orfeo de Monteverdi. La ópera se crea en esta época como solución a la prohibición de representar obras de teatro con música dentro de las iglesias, porque los espectadores hacían más caso a la representación que al texto religioso. Los temas serán en principio mitológicos, pero poco a poco se irán creando textos originales.
Lully es uno de los compositores barrocos más importantes, que renueva y relanza la música francesa hacia toda Europa, llenándola de adornos y ceremonias. En esta danza se trata un tema exótico que era la cultura turca, muy de moda en aquella época. Como anécdota podemos contar de Lully que murió tras golpearse con su bastón de director de orquesta e infectársele la herida. Desde entonces, se dejaron de utilizar esos bastones largos para dirigir y se sustituyeron por las batutas que hoy día conocemos.
Los castrati eran niños a los que se les estirpaban los testículos antes de cambiar su voz y la mantuvieran "blanca". Las mujeres tenían prohibido interpretar en público por lo que se utilizaba a estos niños (normalmente huérfanos) en los papeles femeninos. Muchos de estos niños morían entre terribles dolores por las infecciones producidas por unos instrumentos quirúrgicos muy primitivos. Los que sobrevivían se convertían en grandes estrellas de la música y recorrían toda Europa. Unos los más conocidos fue Farinelli que vivió gran parte de su vida rodeado de lujos en la corte Española de Felipe V y de su hijo Fernando VI.
Otro de los compositores más famosos del Barroco fue Haendel. Sus obras eran tocadas en todos los salones y teatros europeos. Nació en Alemania, pero se marchó a Inglaterra donde triunfó. Escribió óperas, oratorios, conciertos, música de cámara y suites. Aquí podemos ver una representación de una danza con la música de la Música Acuática, una de sus piezas más conocidas y celebradas.
Bach fue un músico que no tuvo mucho éxito en vida, pero que aportó numerosas novedades a la música y fue a finales del siglo XIX cuando se le redescubrió y cuando se le reconoció su trabajo y hoy día es el compositor más conocido e interpretado junto a Mozart. Tiene una de las obras más extensas de la música, componiendo todo tipo de obras y formas musicales, excepto la ópera. Podemos escuchar y ver una coreografía moderna con la Suite número 1 para cello solo.
Pero también en la música barroca había espacio para la música más popular, como es el caso de Mr. Playford, un compositor inglés que se dedicó a recopilar danzas populares inglesas e irlandesas y a escribirlas. Aquí podemos disfrutar del grupo francés Les Witches, un grupo que ha recuperado esta música que tiene su tradición en la música celta y también en la normanda (del norte de Francia)
miércoles, 15 de diciembre de 2010
miércoles, 10 de noviembre de 2010
Música en el Renacimiento
En este primer vídeo del Renacimiento podemos ver un ejemplo de una danza italiana, con instrumentos y vestuario de época. Las danzas en el Renacimiento eran muy apreciadas tanto por nobles como por los plebeyos y era una forma divertida de pasar el tiempo libre. Una dama refinada tenía que saber cantar, tocar algún instrumento y ser buena bailarina.
Aquí escucharemos un villancico, pero no en el sentido navideño de la actualidad, sino de una canción que se cantaba en las villas (ciudades pequeñas que irán surgiendo en esta época) Los villancicos eran originariamente canciones profanas con estribillo, surgidas del pueblo con reminiscencias de la música medieval de los juglares, pero que evolucionan y se armonizan a varias voces. Uno de los compositores más importantes de esta forma musical será Juan del Enzina.
El Consort o grupo de instrumentos de la misma familia surge en esta época. En este ejemplo, podemos observar un Consort de Flautas interpretando piezas de John Dowland. Las flautas van desde la soprano a la flauta bajo. La música instrumental estaba casi siempre separada de la música vocal, pero poco a poco se irán fundiendo para interpretarse juntas, según la ocasión. Pretendían imitar con instrumentos lo que cantaban los coros de voces.
Y aquí hay un caso de música instrumental y vocal juntas. Se trata de otro villancico del Cancionero de Palacio del siglo xv. Es una música a caballo entre la Edad Media y el Renacimiento. Está en castellano antiguo y habla de los amores y desamores de un noble enamorado de una plebeya. Al noble le gustaría ser pastor para poder casarse con la plebeya a la que se encuentra en el mercado ya que los matrimonios entre personas de diferentes clases sociales estaban prohibidos en aquella época.
Aquí escucharemos un villancico, pero no en el sentido navideño de la actualidad, sino de una canción que se cantaba en las villas (ciudades pequeñas que irán surgiendo en esta época) Los villancicos eran originariamente canciones profanas con estribillo, surgidas del pueblo con reminiscencias de la música medieval de los juglares, pero que evolucionan y se armonizan a varias voces. Uno de los compositores más importantes de esta forma musical será Juan del Enzina.
El Consort o grupo de instrumentos de la misma familia surge en esta época. En este ejemplo, podemos observar un Consort de Flautas interpretando piezas de John Dowland. Las flautas van desde la soprano a la flauta bajo. La música instrumental estaba casi siempre separada de la música vocal, pero poco a poco se irán fundiendo para interpretarse juntas, según la ocasión. Pretendían imitar con instrumentos lo que cantaban los coros de voces.
Y aquí hay un caso de música instrumental y vocal juntas. Se trata de otro villancico del Cancionero de Palacio del siglo xv. Es una música a caballo entre la Edad Media y el Renacimiento. Está en castellano antiguo y habla de los amores y desamores de un noble enamorado de una plebeya. Al noble le gustaría ser pastor para poder casarse con la plebeya a la que se encuentra en el mercado ya que los matrimonios entre personas de diferentes clases sociales estaban prohibidos en aquella época.
viernes, 15 de octubre de 2010
Música Medieval
Aquí tenéis ejemplos de instrumentos y música medieval. En este primer vídeo podemos ver cómo suena un vièle, una especie de violín medival. Con él se acompañaban los trovadores en los castillos.
Este video corresponde a cómo suena una zanfona o zanfoña. Es también una especie de violín, pero en vez de tocarse con un arco, se toca gracias a un mecanismo que gira y va pinzando las cuerdas.
Podemos ver y escuchar a continuación un arpa medieval. Se diferencia de las arpas actuales en que el medieval es más pequeño, con un sonido más agudo y cristalino. Además los materiales que se utilizan en la actualidad no son los mismo que en aquella época.
En este video podemos ver y escuchar a uno de los grupos de música medival más conocidos que como arqueólogos musicales rescatan del pasado sonidos de los trovadores y juglares. Es el Micrologus Ensemble. Podemos ver el vièle en acción con un aulos (oboe medieval), una guitarra medieval (muchos más pequeña que las actuales) y una pandereta. Además cantan a la primavera.
El último vídeo de esta sección la dedicamos a una danza medieval, interpretada por varios instrumentos y realizada en alguna fiesta popular actual en la que todavía se interpreta la música como en la Edad Media. Aquí se mezclan con algunos violines modernos que sustituyen a los antiguos.
Este video corresponde a cómo suena una zanfona o zanfoña. Es también una especie de violín, pero en vez de tocarse con un arco, se toca gracias a un mecanismo que gira y va pinzando las cuerdas.
Podemos ver y escuchar a continuación un arpa medieval. Se diferencia de las arpas actuales en que el medieval es más pequeño, con un sonido más agudo y cristalino. Además los materiales que se utilizan en la actualidad no son los mismo que en aquella época.
En este video podemos ver y escuchar a uno de los grupos de música medival más conocidos que como arqueólogos musicales rescatan del pasado sonidos de los trovadores y juglares. Es el Micrologus Ensemble. Podemos ver el vièle en acción con un aulos (oboe medieval), una guitarra medieval (muchos más pequeña que las actuales) y una pandereta. Además cantan a la primavera.
El último vídeo de esta sección la dedicamos a una danza medieval, interpretada por varios instrumentos y realizada en alguna fiesta popular actual en la que todavía se interpreta la música como en la Edad Media. Aquí se mezclan con algunos violines modernos que sustituyen a los antiguos.
lunes, 20 de septiembre de 2010
Música de la Prehistoria
Éste es un ejemplo de una danza de guerra maorí. Transformada y utilizada para "intimidar" a los enemigos o contrincantes antes de un partido de rugby. Gracias a estos deportistas, perviven hoy día algunas tradiciones que de otra forma, quizá se perdieran. Existen muchas variantes del mismo ritual. Seguro que recordáis algunos movimientos que hemos hecho en la clase.
Otro ejemplo de danza primitiva de los africanos. Está grabado en Vichy (Francia) en un festival de música étnica.
Como hemos visto en clase, la música de la Prehistoria es difícil de encontrar a no ser por movimientos culturales populares que se han mantenido hasta la actualidad y tienen un cierto parecido con la música que supuestamente se interpretaba en aquella época. Es el caso de este vídeo donde podemos escuchar una recreación de la música persa (imperio que nación en Irán e Irak en la actualidad, pero que se extendió por gran parte de Oriente Medio, Egipto y Turquía, entre otros países actuales) como podría haber sido interpretada, aunque no se sabe si fue así o no. Podemos ver también algunos restos arqueológicos y arquitectónicos de aquella época.
Otro ejemplo puede ser este vídeo sobre la música romana. De Grecia y Roma tan sólo nos han quedado restos arqueológicos de instrumentos y teoría musical, sin ninguna partitura que podamos interpretar, quizá porque no tenían necesidad de escribirla puesto que la transmisión se hacía de forma oral o imitativa. Esta sería una recreación de cómo podría sonar. La música New Age ha dado un cierto impulso a este tipo de investigaciones.
Espero que os gusten.
Otro ejemplo de danza primitiva de los africanos. Está grabado en Vichy (Francia) en un festival de música étnica.
Como hemos visto en clase, la música de la Prehistoria es difícil de encontrar a no ser por movimientos culturales populares que se han mantenido hasta la actualidad y tienen un cierto parecido con la música que supuestamente se interpretaba en aquella época. Es el caso de este vídeo donde podemos escuchar una recreación de la música persa (imperio que nación en Irán e Irak en la actualidad, pero que se extendió por gran parte de Oriente Medio, Egipto y Turquía, entre otros países actuales) como podría haber sido interpretada, aunque no se sabe si fue así o no. Podemos ver también algunos restos arqueológicos y arquitectónicos de aquella época.
Otro ejemplo puede ser este vídeo sobre la música romana. De Grecia y Roma tan sólo nos han quedado restos arqueológicos de instrumentos y teoría musical, sin ninguna partitura que podamos interpretar, quizá porque no tenían necesidad de escribirla puesto que la transmisión se hacía de forma oral o imitativa. Esta sería una recreación de cómo podría sonar. La música New Age ha dado un cierto impulso a este tipo de investigaciones.
Espero que os gusten.
miércoles, 1 de septiembre de 2010
Rhapsody in Blue
Como primera entrada de este curso me gustaría poneros el vídeo de Rhapsody in Blue del compositor americano George Gherswin en versión Disney para la película de Fantasía 2000. Siempre ha sido una música que me ha encantado porque aúna la música clásica con el jazz. Espero que os guste.
martes, 11 de mayo de 2010
Instrumentos extremos: el saxo contrabajo y el sopranino
Inauguro esta sección de instrumentos curiosos o raros.
Aquí os dejo dos instrumentos: el saxo contrabajo y el sopranino.
El saxo contrabajo es muy raro y existen muy pocos en el mundo. Apenas se utiliza dado su tamaño y aunque parezca difícil de tocar, no lo es tanto. Además te ahorras el gimnasio porque pesa unos 20 kg y mide casi 2 metros.
Y el sopranino que es el más pequeño de la familia de los saxofones. También es muy raro verlo y tiene un sonido muy, muy agudo. Este instrumento mide tan sólo 12 cm y pesa menos de 1 kg.
Espero vuestros comentarios.
Un saludo.
jueves, 29 de abril de 2010
Despedida
Hola Blogger@s.
Esta es mi despedida. Han sido cuatro meses intensos en los que he disfrutado dando clase de música, aunque a veces ha sido difícil. He intentado enseñaros a valorar el silencio y la concentración; a valorar el esfuerzo, el trabajo en equipo y el trabajo personal; a valorar y respetar a vuestros compañeros. Espero haberlo conseguido, por lo menos un poquito.
Os quiero agradecer vuestros comentarios en el blog y me ha dado pena no tener más tiempo para enseñaros a manejarlo vosotros solitos. Es fácil y dedicándole un poco de tiempo y muchas ganas se pueden conseguir buenos trabajos del tema que sea y además de una forma divertida donde se puede aprender mucho.
Estaremos en contacto a través del blog porque seguiré insertando entradas con vídeos curiosos, interesantes y educativos. Podéis seguir participando con vuestros comentarios. Ha sido una experiencia muy positiva y todos habéis participado en mayor o menor medida. Gracias.
El vídeo está rodado en la estación de tren de Amberes (Bélgica) y resume lo positivo de trabajar en equipo y de forma coordinada. Sed pacientes y ved el video completo, merece la pena.
La música seguro que la reconocéis.
La música seguro que la reconocéis.
Un saludo a todos y hasta siempre.
Y recordad: ni un sólo día sin música.
jueves, 8 de abril de 2010
Música a capella.
A capela (italiano: a capella, 'como en la capilla' ) es un estilo musical que se caracteriza por utilizar únicamente la voz de los cantantes para generar los sonidos de la melodía y la armonía, en lugar de recurrir al uso de instrumentos musicales.
La música a capella ya se realizaba en el canto gregoriano, en la Edad Media, se desarrolló en los madrigales renacentistas y en las obras corales del Barroco. Ya en el siglo xx, surgieron grupos vocales en Estados Unidos durante la era dorada del swing en los años 1930 a 1940. Volvió a ponerse de moda en los años 1980 y en los años 1990, incitados por el éxito de canciones de artistas como Bobby McFerrin, Manhattan Transfer (aunque combinado con instrumentos), el excelente Neri Per Caso, Die Prinzen, Rockapella, los Boyz II Men o Voca People. En idioma castellano, existen el grupo Tennessee, el cubano Vocal Sampling, [Tes-a-t] y el español B Vocal.
Los arreglos de la música popular para los pequeños conjuntos a capella incluyen generalmente una voz que canta la melodía principal, llamada vocal, una que canta sobre una línea de bajo, y que marca el ritmo, llamada bajo, y las voces restantes que contribuyen al acompañamiento en forma de acorde, llamado coro. Sin embargo, muchos grupos a cappella contemporáneos han adoptado otros métodos, incluyendo polifonía y el beatbox o percusión vocal, que consiste en una caja de ritmos producida con la boca o la imitación de una batería, percusión menor, platillos, etc.
Puedes buscar en internet más grupos de esta peculiar forma musical. Aquí tienes un ejemplo de un tema muy conocido de una "amarilla" serie de televisión.
Este otro vídeo lo ha propuesto vuestro compañero de 6º Asier. No es música a capella, pero sí con instrumentos corporales. Espero que también os guste. Podéis seguir poniendo más comentarios.
jueves, 11 de marzo de 2010
Centenario del nacimiento de Chopin (1810-1849)
Fryderyk Franciszek Chopin (en francés, Frédéric François Chopin, Żelazowa Wola, Polonia, 1 de marzo de 1810 — París, 17 de octubre de 1849) es considerado uno de los más importantes compositores y pianistas de la historia. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro.
Biografía
Nació en una aldea de Mazovia, a 60 kilómetros de Varsovia en el centro de Polonia, en una pequeña finca propiedad del conde Skarbek. Su padre, Mikołaj (Nicolas) Chopin (Marainville, Lorena, 1771-1844) era profesor de francés y literatura francesa; también era preceptor de la familia del conde Skarbek. Su madre, Tekla Justyna Kryżanowska (Dlugie, Kujawy, 1782-1868) pertenecía a una familia de la nobleza polaca venida a menos y era gobernante de la finca donde vivían.
A partir de julio de 1823 el jovencito compaginó sus estudios de piano con sus cursos en el Liceo de Varsovia (donde enseñaba su padre). Se graduó cum laude en 1827. Viajó por primera vez fuera de Polonia: en Silesia del Sur. Continuó sus estudios musicales, pero no asistió a las clases de piano. En este tiempo, compuso sus primeras obras. Su profesor escribiría en las calificaciones finales de sus estudios: "talento sorprendente y genio musical".
En mayo de 1829, el célebre violinista italiano Niccolò Paganini llegó a Varsovia a dar conciertos. Chopin acudió a verlo y quedó profundamente deslumbrado por su virtuosismo.
Su prestigio local como compositor y pianista ya traspasaba las fronteras de su patria. En 1829 realizó un breve viaje a Viena. El éxito fue apoteósico y el joven compositor no salía de su asombro por la cálida aceptación de sus composiciones y su técnica interpretativa por parte del exigente público vienés. La crítica fue inmejorable, pero algunos criticaron el poco volumen que conseguía en el piano, parte de su estilo de interpretación, más adecuado al salón que a la sala de conciertos.
Después de pasar por Praga, Dresde y Breslau, regresó a Varsovia, donde se enamoró de Konstanze Gladkowska (1810-1880), una joven estudiante de canto del Conservatorio. Aquel romance fue un ardiente sentimiento, mas no decisivo, pues ya estaba completamente decidido a ser un compositor y pronto decidió emprender un «viaje de estudios» por Europa.
Paralelamente, se producían entonces en Varsovia unos levantamientos y asonadas que fueron severamente reprimidos y causaron muchas muertes. Estas visiones impresionaron profundamente al artista, que años después compondría en homenaje a esos manifestantes su célebre Marcha Fúnebre (incluida después en la Sonata para piano n.º 2 en si bemol menor Op. 35).
Su segunda estancia en la capital del Imperio austríaco no fue ni mucho menos tan feliz. Además, no era nada fácil conquistar el gusto del bullicioso público vienés: El público sólo quería oír los valses de Lanner y Strauss.
Chopin, además de conocer a músicos como Anton Diabelli, Vaclav Jirovec, Joseph Merk y Josef Slavik, y de asistir a varios eventos musicales y óperas, las fuertes y dramáticas experiencias y emociones inspiraron la imaginación del compositor, y probablemente aceleraron el nacimiento de un estilo nuevo e individual, diferente al brillante estilo anterior. Compuso el Nocturno n.º 20.
Llegó a París en el otoño de 1831. La ciudad era el centro mundial de la cultura, y muchos de los mayores artistas del mundo vivían allí: Victor Hugo, Honoré de Balzac y Heinrich Heine entre los escritores. Pronto el joven polaco conocería a varias de estas luminarias, y llegaría a formar una parte importante de esa intensa actividad cultural.
Su primer concierto público fue tan fabuloso que se convirtió en el tema de conversación de toda la ciudad. Entre el público se encontraban músicos de la talla de Felix Mendelssohn y Franz Liszt, y entabló pronto amistad con el último, que también vivía en la ciudad. Él se sentía sorprendido y estimulado por la intensa vida cultural, y también por la libertad de acción que podía ejercer. Asistía a conciertos y a óperas; fascinado.
Desde mayo de 1832 comienza a ganarse la vida dando clases de piano y pronto llegaría a convertirse en un pedagogo muy requerido y bien pagado. Prefirió presentarse en las veladas o soirées que se ofrecían en los salones de la sociedad aristócrata, en una atmósfera intimista con una pequeña y singular audiencia, no ávida de virtuosismo, sino especialmente culta y sensible y afín al músico. También participó activamente en las protestas por la política rusa llevada a cabo en Polonia, haciéndose refugiado político en París.Chopin como maestro
Chopin eligió el oficio de pedagogo como medio de vida por razones de necesidad: sus composiciones le significan sumas ínfimas y ofrece muy pocos conciertos – y a menudo en beneficio de alguna obra de caridad. Aun cuando gran cantidad de alumnos pertenecen a la aristocracia parisina (George Sand se referirá irónicamente – casi todas estas aficionadas son mujeres – a las “magníficas condesas”, las “deliciosas marquesas”, las “alumnas idólatras”) también tendrá – para su alegría – una quincena de alumnos de valía que no pertenecen a la aristocracia.
Chopin eligió el oficio de pedagogo como medio de vida por razones de necesidad: sus composiciones le significan sumas ínfimas y ofrece muy pocos conciertos – y a menudo en beneficio de alguna obra de caridad. Aun cuando gran cantidad de alumnos pertenecen a la aristocracia parisina (George Sand se referirá irónicamente – casi todas estas aficionadas son mujeres – a las “magníficas condesas”, las “deliciosas marquesas”, las “alumnas idólatras”) también tendrá – para su alegría – una quincena de alumnos de valía que no pertenecen a la aristocracia.
En cuanto al método de enseñanza, Chopin no es un pedagogo formado sino un creador de música, se entregará a la enseñanza “sin la menor idea preconcebida” y no seguirá ningún sistema preestablecido; adaptará su enseñanza a las aptitudes del alumno y cuando el alumno lo merece las clases, establecidas en tres cuartos de hora de duración, las prolongará hasta dos y tres horas.
Este oficio de pedagogo al cual lo empuja la necesidad más que la vocación (que es la de compositor) lo ejercerá con plena conciencia y gran cortesía (solo desmentida por frecuentes accesos de cólera cuando el alumno se extravía)
Amor y compromiso
En el invierno de 1835 se sintió tan mal, que creyó que se moría; de hecho, en ese momento, escribió el primer borrador de su testamento, estaba tan afligido, que incluso llegó a pensar en suicidarse.En la primavera de 1836, su enfermedad volvió a manifestarse con énfasis.
Al regresar a París, fue abandonando poco a poco las salas de concierto para concentrarse en la composición. Daba aproximadamente cinco clases de piano diarias a diferentes jóvenes adinerados, pero nunca pudo ocultar su aburrimiento y su desdén por estos niños sin talento, que estudiaban piano sólo porque sus padres disponían de dinero para pagar a un gran maestro.
En el invierno de 1835 se sintió tan mal, que creyó que se moría; de hecho, en ese momento, escribió el primer borrador de su testamento, estaba tan afligido, que incluso llegó a pensar en suicidarse.En la primavera de 1836, su enfermedad volvió a manifestarse con énfasis.
George Sand
La relación con Sand, fue difícil y tormentosa. El joven polaco tenía entonces 26 años, y la dama 32 y hasta entonces, él se había comportado discretamente, como una especie de refinado dandi que llevaba una activa vida social en su ámbito. Al ser presentados, Sand murmura al oído de Mme. Marliani. «Ese señor Chopin, ¿es una niña?»
Durante ese verano, el músico viajó a Londres. A su regreso vuelven a encontrarse, esta vez en una reunión de amigos en casa de Chopin, a la cual Sand acude intencionalmente ataviada a la polaca, y escucha subyugada al dúo de Liszt y Chopin.
Sand queda prendada de Chopin y su relación durará aproximadamente ocho años, en los cuales la pasión pronto dará lugar a la amistad. George Sand brindará apoyo y protección a la frágil situación de Chopin -tanto física como económica- en tanto que Chopin para Sand será una figura pacificadora en una etapa para ella difícil de crecimiento de sus hijos (de niños a adolescentes).
Mallorca
Allí pasaron el invierno, y allí compuso la mayor parte de sus 24 Preludios op. 28. En la hermosa isla, se confirmó el diagnóstico de su enfermedad: el joven músico había contraído tuberculosis. Dicha enfermedad, catalogada como altamente contagiosa no
afectó en absoluto a la escritora y sus hijos, dato este que ha hecho replantearse a algunos expertos el diagnóstico. La posibilidad de que Chopin padeciese entonces algún otro tipo de afección degenerativa de las vías respiratorias no catalogada hasta entonces cobra desde hace unas décadas más fuerza.
Otra vez París
Pese al tiempo invertido en la enseñanza, no deja de componer numerosos estudios, sonatas y scherzos para piano. Su fama, ya grande en los países occidentales, se volvió enorme en su Polonia natal, cosechando excelentes críticas y comentarios de la prensa y el público. El poeta Heinrich Heine escribía en Lutece: Chopin es un gran poeta de la música, un artista tan genial que solo puede compararse con Mozart, Beethoven, Rossini y Berlioz.
Hacia 1845, su salud comenzó nuevamente a deteriorarse, pautando el proceso de debilitamiento que finalmente lo conduciría a la muerte.
El canto del cisne
El 16 de febrero de 1848, ante una sala repleta –con entradas difíciles de conseguir y vendidas mucho antes- Chopin ofrece su último concierto parisino. Un concierto largo que para él fue el canto del cisne –tuvo en el entreacto un síncope en el vestíbulo. Aun cuando dio algunos conciertos en Londres, ninguno sería como éste en la comunión que hubo con el público presente.
El 16 de febrero de 1848, ante una sala repleta –con entradas difíciles de conseguir y vendidas mucho antes- Chopin ofrece su último concierto parisino. Un concierto largo que para él fue el canto del cisne –tuvo en el entreacto un síncope en el vestíbulo. Aun cuando dio algunos conciertos en Londres, ninguno sería como éste en la comunión que hubo con el público presente.
La salud de Chopin empeora. El viaje que prepara a Londres y su estancia allí, no le sientan nada bien. Vuelve a dar clases, cinco alumnos hacia finales de mayo.
El 23 de noviembre de 1848 sale de Londres para regresar a París adonde su amigo Grzimala le ha alquilado un departamento con vista al sur, más confortable que aquél que tenía al irse hacia Gran Bretaña, adonde pasará sus últimos meses.
El final
El comienzo del año 1849 encontró a Chopin demasiado débil como para enseñar. Al difundirse la noticia de que su estado empeoraba, gran parte de la sociedad parisina (incluyendo sus coterráneos residentes allí) quiso ir a visitarlo: alumnos, amigos, damas, todos aquellos que lo habían aplaudido cuando estaba frente al teclado quisieron verlo para decirle adiós. El más fiel de todos era el pintor Delacroix, que lo visitaba casi cada día para confortarlo y darle su aliento.
Chopin sabía que se moría, pero, sorprendentemente, dijo a los circunstantes: Encontraréis muchas partituras, más o menos dignas de mí. En nombre del amor que me tenéis, por favor, quemadlas todas excepto la primera parte de mi método para piano. El resto debe ser consumido por el fuego sin excepción, porque tengo demasiado respeto por mi público y no quiero que todas las piezas que no sean dignas de él, anden circulando por mi culpa y bajo mi nombre. Afortunadamente para nosotros y el arte universal, ninguno de los presentes se avino a cumplir semejante orden.
Ya en plena agonía, tuvo aún la fuerza suficiente para otorgar a cada visitante un apretón de manos y una palabra amable. A las dos de la madrugada del 17 de octubre de 1849, murió. Durante el entierro en el Cementerio de Père-Lachaise, se tocó la Marcha fúnebre de su Sonata Op. 35.
Su música
Chopin representa un extraño caso entre los grandes compositores, pues la mayor parte de sus obras son para piano solo. Su música de cámara y vocal es escasa y la orquestal comprende unas cuantas obras concertantes. En todas ellas, siempre hay un piano involucrado. Sus amigos y colegas le animaron a abordar otros géneros; el músico comentaba: Dejad que sea lo que debo ser, nada más que un compositor de piano, porque esto es lo único que sé hacer.
Chopin representa un extraño caso entre los grandes compositores, pues la mayor parte de sus obras son para piano solo. Su música de cámara y vocal es escasa y la orquestal comprende unas cuantas obras concertantes. En todas ellas, siempre hay un piano involucrado. Sus amigos y colegas le animaron a abordar otros géneros; el músico comentaba: Dejad que sea lo que debo ser, nada más que un compositor de piano, porque esto es lo único que sé hacer.
El piano alcanzó en el siglo XIX su máxima popularidad. Había dejado completamente de lado al clavicémbalo y se adecuó perfectamente a la expresión individual del sentimiento, característica del Romanticismo. Los fabricantes perfeccionaban el instrumento mejorando su variedad de matices, la pureza y riqueza del timbre y las posibilidades sonoras.
Los primeros testimonios acerca del estilo de tocar de Chopin provienen de su primera gira, en Viena, en que se admiró la extraordinaria delicadeza de su pulsación, una indescriptible perfección técnica, su completa gama de matices, fiel reflejo todo ello del más profundo sentimiento. Sin embargo, también se le criticó su poco volumen.
Sabemos que la sonoridad de Chopin al piano era delicada; no impresionaba la fuerza ni el sonido, sino los matices y los contrastes. La falta de fuerza no se debió necesariamente a la enfermedad como a veces se ha dicho; era parte de su propio estilo interpretativo. Por esa razón, el sonido de Chopin se avino muy bien a las veladas o soirées de la aristocracia; el músico prefirió presentarse en esos pequeños salones, con un breve y selecto auditorio, en donde era posible una singular comunión. Chopin no fue un concertista de piano (como Thalberg o Liszt), sino fue un pianista-intérprete de sus propias obras, y llegó a tener una posición envidiable como tal. Tampoco era un ejecutante arrollador y teatral. Otra razón por la que quizás evitó los grandes auditorios fue su extraordinario nerviosismo para enfrentarlos.
Chopin descubrió el verdadero potencial del piano para construir un mundo poético de melodía y color. Sus obras son de una naturaleza profundamente pianística: comprendió la capacidad del cantabile del instrumento, muy distinta del canto o del violín, como entonces se pretendía, “inventó” una nueva manera de tocar y exploró sus recursos tímbricos mediante la armonía, la extensión, la resonancia y el pedal. A medida que profundizó en ella, se aproximó a una sensibilidad más alucinada del sonido. Por ello, su trascendencia e influencia en la música para piano fue inmensa, hizo posible las investigaciones posteriores.
Chopin y el romanticismo
La carrera de Chopin (desde 1831 en París hasta 1849) se desarrolla durante el Romanticismo, en su segundo periodo conocido como “Romanticismo pleno”. Además de él, en Europa brillaban en aquellos años Berlioz, Paganini, Robert Schumann, Mendelssohn, Meyerbeer y las primeras óperas de Verdi y Wagner.
La carrera de Chopin (desde 1831 en París hasta 1849) se desarrolla durante el Romanticismo, en su segundo periodo conocido como “Romanticismo pleno”. Además de él, en Europa brillaban en aquellos años Berlioz, Paganini, Robert Schumann, Mendelssohn, Meyerbeer y las primeras óperas de Verdi y Wagner.
Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos. Sin embargo, es preciso notar que las biografías novelescas (también algunas películas) y las interpretaciones exageradas han terminado por falsificar la imagen del músico y su genio.
Otro aspecto romántico en Chopin es el hecho de que su sentimiento lírico termine por quebrantar siempre la realidad patente. “Rosas, claveles, plumas de escribir y un poco de lacre... y en ese instante ya no estoy en mí, sino, como siempre, en un espacio totalmente distinto y asombroso... aquellos espaces imaginaires”. Su preferencia por las formas breves, sobre todo por la pieza de carácter (el nocturno, la balada) es típicamente romántica. También el recoger géneros clásicos o históricos para tratarlos en forma no convencional (la sonata, el concierto y el preludio). Y sobre todo, su marcado nacionalismo musical, manifestado en la adopción y estilización de formas procedentes de la música folclórica de Polonia como la polonesa y la mazurca, reivindicando el sentimiento patriótico, precisamente en tiempos de opresión rusa.
A veces se ha considerado a Chopin un músico “plano”, que mantuvo un solo estilo desde la madurez artística que alcanzó por el tiempo en que salió de Varsovia (1830), sin etapas marcadas o una línea evolutiva como sucede en otros compositores. Sin embargo, se distingue en él un último periodo creativo o "estilo tardío", en el que el dramatismo y los efectos violentos ceden su paso a la gran concentración, la moderación del gesto y un lirismo más profundo. A él pertenecen el Scherzo n.º 4, la Sonata n.º 4, la Balada n.º 4, la Barcarola, la Polonesa-Fantasía, los Nocturnos Op. 55 y 62 y la Sonata para cello. Estas obras revelan la búsqueda de nuevos moldes formales, armónicos y sonoros.
Música polaca: Polonesas, mazurcas y otros
Iniciando su carrera simbólicamente bajo la impronta del folclore polaco, la primera composición de Chopin (a los 7 años) fue la Polonesa en sol menor. Sin embargo, esta obra, junto a sus primeras polonesas, tiene más de calco de la música “folclórica” de autor. Hacía un siglo que la polonesa, la popular danza polaca, se había convertido dentro de la música clásica instrumental en una lenta y galante danza convencional más con un singular pie rítmico. Pronto, el adolescente Chopin conocería la naturaleza de la verdadera polonesa en las festividades campesinas, donde bailó, transcribió melodías e incluso llegó a tocar instrumentos folclóricos: su asimilación del folclore no fue superficial. Así, en su madurez sus polonesas recogieron el vigor rítmico y el espíritu caballeresco y heroico de su país, lleno de audaces armonías y bajo una brillante y emotiva escritura pianística.
Lo mismo pasó con sus mazurcas. Sin embargo, en ellas son más evidentes la impregnación de los ritmos, las armonías, las formas y los rasgos melódicos de la música popular polaca: emplea recursos "exóticos". Hace muy poco uso de temas folclóricos reales: crea un “folclore imaginario”.
Sin embargo, la influencia de la música polaca no se limitó a estos dos géneros musicales. Las características del folclore invadieron todos sus parámetros musicales. Nietzsche destacó en Chopin la esencia eslava como energía liberadora (de la influencia alemana), junto a la superación de la esfera étnica con la elegancia suprema del gesto cosmopolita, del ideal clásico de Belleza. Según el filósofo, todo ello le permitió a Chopin liberarse de las inclinaciones hacia lo que es feo, oscuro, pequeño burgúes, grosero o pedante. En su dolorosa situación de exiliado, acudió como los artistas populares a las fuentes populares para expresar la afirmación de su pueblo en peligro.
Valses y otras danzas
Además de las polonesas y las mazurcas, Chopin compuso obras basadas en otras danzas. Al igual que aquéllas, estas piezas no son precisamente música para bailar, sino una estilización, "música de salón" (como buena parte de la producción de Chopin), escrita para tocar en los salones, aunando el impulso rítmico, la expresión y el brillo instrumental. Tenemos el Bolero Op. 19, Tarantella Op. 43, las Eccosaises Op. 72 n.º 3-5, o incluso la Barcarola Op. 60.
Además de las polonesas y las mazurcas, Chopin compuso obras basadas en otras danzas. Al igual que aquéllas, estas piezas no son precisamente música para bailar, sino una estilización, "música de salón" (como buena parte de la producción de Chopin), escrita para tocar en los salones, aunando el impulso rítmico, la expresión y el brillo instrumental. Tenemos el Bolero Op. 19, Tarantella Op. 43, las Eccosaises Op. 72 n.º 3-5, o incluso la Barcarola Op. 60.
En esa época, el vals era el baile vienés que comenzaba a hacer furor en los salones de Europa, gracias sobre todo a Josef Lanner y Johann Strauss. Sin embargo, la mayoría de los valses chopinianos están lejos de ese carácter. Para Mendelssohn, éstos no tenían de vals más que el nombre. Quizás no deba buscarse en éstos lo danzable, pues parecen transmitirnos sugestiones que no aluden directamente al baile, sino al recuerdo personal que le dejó el ambiente.
El lenguaje armónico de Chopin es absolutamente original, pleno de complejas armonías cromáticas; también emplea recursos más "exóticos". Las cincuenta y cinco Mazurcas que compuso representan un microcosmos musical en sí mismas. Sus Estudios y Preludios están fuertemente influidos por el afán de variedad y la maestría técnica de "El clave bien temperado" de Johann Sebastian Bach.
Siendo uno de los más destacados pianistas de la historia, quizás el más técnico y el más refinado, las enseñanzas que dejará para los compositores posteriores entroncan en la tradición mozartiana más pura.
La obra de Chopin se encuentra entre las más originales e influyentes de la historia de la música, y por este motivo se le compara con frecuencia con Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart. Chopin descubrió el verdadero potencial del piano para construir un mundo poético de melodía y color. Este avance impuso las bases de toda la composición pianística posterior. Para superarlo hubo que esperar a Bartók, Debussy, Ravel y Prokofiev, entre otros.
La estética chopiniana, pues, se conformó mezclando la proporción clásica de Bach y el amor al bel canto operístico de Mozart y Bellini, combinados también con la herencia musical polaca. Gracias a esta última, el emigrado se convirtió, además, en el primer compositor nacionalista de su país.
En todo el mundo existen multitud de festivales, asociaciones musicales, escuelas e institutos que llevan el nombre de Frédéric Chopin. Tal vez el más importante festival sea el concurso de piano que se celebra en Varsovia cada cinco años en memoria del gran compositor.
Asimismo, el aeropuerto internacional de Varsovia se llama Frédéric Chopin. El asteroide descubierto en 1986 por el astrónomo Eric Walter Elst ha sido bautizado (3784) Chopin. Otros varios objetos del Sistema Solar han sido bautizados en homenaje al gran polaco, incluyendo un cráter en el planeta Mercurio. El videojuego llamado Eternal Sonata narra la historia de él en su lecho de muerte y su último sueño.
El grupo de rock alternativo Muse ha incluido en la canción "United States of Eurasia", de su disco The Resistance, un fragmento de su prestigiosa obra Nocturno en Mi bemol mayor Op. 9 n.º 2. Además, Matthew Bellamy, cantante y pianista del grupo, dice haber sido fuertemente influenciado en su trabajo y composición por Chopin.
Obras
Frédéric Chopin compuso 264 piezas.
61 Mazurcas
61 Mazurcas
26 Preludios.
26 Valses.
27 Estudios.
20 Polonesas
21 Nocturnos.
21 Nocturnos.
18 Canciones.
11 Variaciones.
4 Rondós.
3 Sonatas.
1 Sonata para piano y violonchelo.
1 Sonata para piano y violonchelo.
4 Scherzos.
4 Baladas.
4 Baladas.
4 Impromptus.
2 Conciertos para piano y orquesta.
2 Introducciones.
2 Marchas Fúnebres.
2 Escocesas.
2 Bourrées.
1 Trío para cello y piano.
1 Gran dúo para chelo y piano.
1 Krakowiak.
1 Fantasía sobre aires polacos.
1 Polonesa brillante para chelo y piano.
1 Polonesa-fantasía.
1 Impromptu-Fantasía.
Fantasía.
1 Largo.
1 Andante Dolente (perdido).
1 Andante spianato y gran polonesa para piano y orquesta.
1 Moderato.
1 Andantino.
1 Feuille d'Album para piano.
1 Wiosna (canción).
1 Allegro de Concierto.
1 Bolero.
1 Tarantela.
1 Berceuse.
1 Barcarola.
1 Contradanza.
1 Arreglo para piano.
1 Cantabile.
1 Canon.
1 Fuga.
1 Marcha Militar (perdida).
1 Veni Creator.
Fuentes: http://www.wikipedia.es/ y http://www.youtube.es/ así como la galería de imágenes de http://www.google.com/
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